Review: AIDA al Metropolitan Opera di New York, diretta dal M° Daniele Rustioni con Krassimira Stoyanova protagonista.
Natalia Di Bartolo © DiBartolocritic
Le operone verdiane in trasferta negli States sono sempre un’incognita. Pericolo di ipertrofia scenica con relativa carenza sul versante dell’italico, adeguato gusto musicale.
L’Aida è una trappola mortale, a questo proposito. Può diventare un mattone indigeribile, nonostante i turchesi e gli smalti brillanti su fondo di pietra uso Abu Simbel, scolpiti e decorati fino all’ultimo geroglifico.
Dunque, al Metropolitan Opera di New York, la ben nota messa in scena sontuosa di Aida, il 6 aprile 2017 è tornata sul palcoscenico, con conseguente attesa dell’orecchio ipercritico italiano. Eccoci, ci siamo: adesso stiamo a sentire chi hanno messo dentro quei meravigliosi costumi di Dada Saligeri.
S’inizia con un Radames che debutta al Met proprio con quest’opera. I primi palpiti trepidanti di cuore italiano sono per lui. Il tenore Jorge De León, però, proprio non sembra essere un Radames autorevole, dal punto di vista vocale. Scenicamente la regia un po’ statica, oleografica di Sonja Frisell, ripresa da Stephen Pickover, lo frena, ma dall’altra la voce dovrebbe dispiegarsi, come quella di chi lo ha preceduto indossando gli stessi ori e bronzi. Ma la voce de De León non decolla, se non nei concertati. Lì, non si sa per quale strano accadimento, riesce a sovrastare tutto il cast, coro compreso. Allora questi acuti ingolati? Un vero peccato. Ci si aspetta che li liberi dal fondo di un’ugola che ha un discreto colore ed evidentemente anche una proiezione di tutto rispetto. Impostazioni errate, purtroppo, accentuate poi da una “S” che diventa “T”, per un difetto di pronuncia…Ora, questa imperfezione naturale nel parlato, trascinata, ovviamente, nella dizione del canto, la si poteva perdonare al meraviglioso Radames di Nicola Martinucci. Ma qui, “Un trono vicino al Tol”, proprio non ha avuto granchè fascino, neanche nell’acuto finale, che ha seguito la tradizione, senza rispettare i pianissimo, addirittura quattro, nonché il “morendo” definitivo , che Verdi scrisse (esecuzione di matrice peppiniana pressoché impossibile, se non, forse, in falsetto) e sui quali tanti tenori hanno sbattuto la testa e rischiato la carriera.
Ciò detto, si attendeva Violeta Urmana Amneris…e qui l’attesa era piuttosto serena: la voce della Urmana è strepitosa in entrambi i ruoli, Amneris e Aida, ma meglio in Amneris. Al Met dunque ha sfoderato uno squillo degno dei tempi d’oro della Cossotto, con gravi anche molto ben messi e tutto il resto al proprio posto. Pericolo scampato, allora, gradimento palese in questa parte che è fondamentale nell’opera.
Giunge dunque Aida, Krassimira Stoyanova. Un po’ di palpitazione dello spettatore all’ingresso, qualche stridore nella zona acuta per cominciare, qualche grave un po’ affondato con una certa violenza tecnica per scurirlo…ma un crescendo, nel corso dell’opera. Una voce che sembra potenzialmente chiara, ma che è invece già conosciuta per essere robusta e forte, ben strutturata e dunque in grado di sostenere la parte, anche se, forse, non è per lei quella ideale. Sospiro di sollievo, dunque, e positivo apprezzamento per le italiche aspettative, fanatiche di un’eroina verdiana cara, difficile come poche e di tradizione che dire illustre è dire poco.
Gli scogli principali superati, non ci si poteva aspettare dall’Amonasro di George Gagnidze, sempiterno Scarpia, che una prestazione, oltretutto già collaudata nella stessa produzione, degna della sua fama e della sua mole.. Una voce gigantesca, che, se modulata con più gusto, potrebbe essere eccellente in ogni parte, a patto di diversificare i personaggi…
Un po’ troppo vibrante ormai, in senso negativo, il Ramfis di quel celebre James Morris che debuttò nel ruolo al Met nel 1971; niente di eclatante gli altri interpreti, ma facciamo finta che sia andato tutto bene.
Una nota di lode al Coro del teatro newyorkese. Gran bella compagine, molto ben istruita da Donald Palumbo e molto bene in parte. Coloriti splendidi, forti giusti, fortissimi quando occorresse. Mica altra barriera da poco superata.
Ma non si è ancora parlato della direzione d’orchestra, che nella produzione si è alternata con quella del M° Marco Armiliato. Solo per il gusto di tenerla per ultima e sottolinearla particolarmente, perchè era ottima: in questo caso, sul podio il trentaquattrenne Maestro milanese Daniele Rustioni, che ha galoppato con sicurezza da esperto cow-boy nel deserto egizio, con competenza, tempi stretti, dinamiche italiane, cura dei dettagli, orchestrona del Met a tutto campo, ottima e abbondante, ma senza fare troppo rumore: producendo “suoni”, quelli giusti, anche nel clangore degli ottoni. Ottimo il sostegno dato agli interpreti. I giornali statunitensi lo hanno definito una “stella nascente”. Senza dubbio da sottolineare il suo ruolo fondamentale nella riuscita dell’intera opera, con un pizzico di orgoglio campanilistico per la sua italianità.
Che dire se non che il pubblico fosse in visibilio? Più volte applausi anche a scena aperta e non solo per la marcia trionfale, che è stata veramente degna di questo nome, soprattutto musicalmente a causa della suddetta staticità della regia (i cavalli in scena fanno sempre effetto, però), che si è ripercossa anche nei ballabili, coreografati da Alexei Ratmansky; ma trionfo in sala anche per molte altre parti dell’opera, che si sono dimostrate di grande pregnanza.
Dunque l’orecchio di gusto italiano ha goduto una splendida serata musicale, senza privarsi di associare l’occhio all’ascolto, perché i colori complementari delle scene di Gianni Quaranta, abilmente giocate anche sui toni dell’ocra, del giallo, dei bruni, dei turchesi e verdi, opportunamente illuminate da Gil Wechsler, erano anch’esse uno spettacolo. Faraonico, questa volta è il caso proprio di dirlo.
Natalia Di Bartolo © DiBartolocritic
PHOTOS © Metropolitan Opera | Marty Sohl
Review: Aida at the Metropolitan Opera, New York, conducted by Maestro Daniele Rustioni, with Krassimira Stoyanova in the title role
by Natalia Di Bartolo © DiBartolocritic
Verdian grand operas on tour in the United States are always an unknown quantity. There is the constant risk of scenic hypertrophy, often accompanied by a corresponding lack of that specifically Italian, properly measured musical taste.
Aida, in this respect, is a deadly trap. It can easily turn into an indigestible slab, despite the turquoise hues and brilliant enamels set against stone backdrops à la Abu Simbel, sculpted and decorated down to the last hieroglyph.
Thus, at the Metropolitan Opera in New York, the well-known sumptuous production of Aida returned to the stage on 6 April 2017, inevitably drawing the keen attention of the hypercritical Italian ear. Here we are, then: time to listen closely to who has been placed inside those magnificent costumes by Dada Saligeri.
The evening opens with a Radamès making his Met debut precisely in this role. The first tremors of the Italian heart are reserved for him. Tenor Jorge De León, however, does not truly come across as an authoritative Radamès from a vocal standpoint. The somewhat static, picturesque staging by Sonja Frisell, revived by Stephen Pickover, restrains him scenically, but vocally the sound should nonetheless unfold, as it did for those who previously wore the same gold and bronze. De León’s voice, however, fails to take flight, except in the ensembles. There, for reasons difficult to explain, he manages to dominate the entire cast, chorus included. And so those throaty high notes? A real pity. One expects them to be released from the depths of a throat that possesses a decent color and evidently a respectable projection. Faulty technique, unfortunately, further aggravated by an “S” that turns into a “T” due to a pronunciation defect. Such a natural imperfection in speech, inevitably carried over into sung diction, could be forgiven in the marvelous Radamès of Nicola Martinucci. But here, “Un trono vicino al sol” had little charm, even in the final high note, delivered according to tradition without observing the pianissimi, indeed four of them, nor the final morendo written by Verdi. That Peppinian-style execution is virtually impossible, unless perhaps in falsetto, and on those passages many tenors have stumbled, sometimes at great cost to their careers.
That said, anticipation then turned to Violeta Urmana as Amneris, and here expectations were calmer: Urmana’s voice is formidable in both Amneris and Aida, though better suited to the former. At the Met she unleashed a brilliance worthy of the golden age of Fiorenza Cossotto, with well-placed low notes and everything else firmly in order. Danger averted, and clear approval for a role that is fundamental to the opera.
Enter Aida, Krassimira Stoyanova. A slight flutter of anxiety accompanies her entrance, some initial harshness in the upper register, a few low notes pushed down with a certain technical force to darken the color. But over the course of the opera, there is growth. Hers is a voice that might seem potentially light, yet is in fact known to be robust and strong, well structured and thus capable of sustaining the role, even if it may not be the ideal fit for her. A sigh of relief, then, and positive appreciation in light of Italian expectations, fiercely devoted to a beloved Verdian heroine as difficult as few others, and whose tradition can hardly be overstated.
With the main hurdles cleared, one could expect nothing less from George Gagnidze’s Amonasro, the perennial Scarpia, than a performance equal to his reputation and physical presence, especially given that it had already been tested in the same production. A gigantic voice which, if shaped with greater taste, could prove excellent in any role, provided the characters are more clearly differentiated.
Somewhat overly vibrato-laden, in a negative sense, was the Ramfis of the celebrated James Morris, who debuted in the role at the Met back in 1971. Nothing particularly remarkable from the remaining cast, but let us say that all went well enough.
A note of praise is due to the New York theatre’s chorus: a splendid ensemble, very well trained by Donald Palumbo and entirely convincing. Fine colors, well-judged fortes, and fortissimi when required. No small barrier to overcome.
And yet, the orchestral direction has not been mentioned, which alternated in this production with that of Maestro Marco Armiliato. This omission was deliberate, to save it for last and give it due emphasis, because it was excellent. On this occasion, the podium was occupied by the thirty-four-year-old Milanese conductor Daniele Rustioni, who galloped confidently like an expert cowboy across the Egyptian desert, with authority, brisk tempi, unmistakably Italian dynamics, attention to detail, and the mighty Met orchestra deployed in full force yet without excessive noise, producing sound, the right sound, even amid the clangor of the brass. His support of the singers was exemplary. American newspapers have called him a “rising star”. There is no doubt as to his fundamental role in the success of the entire performance, with a touch of campanilistic pride in his Italian heritage.
What can one say, if not that the audience was in raptures? Repeated applause, even during the action and not only for the Triumphal March, which truly lived up to its name, above all musically, given the aforementioned static nature of the staging. Horses on stage always make an impression, of course, though this static quality also affected the ballets choreographed by Alexei Ratmansky. Yet the house erupted in triumph for many other moments of the opera as well, moments of genuine impact.
Thus, the Italian ear of taste enjoyed a splendid musical evening, without renouncing the pleasure of uniting sight with sound. The complementary colors of Gianni Quaranta’s sets, skillfully played out in ochres, yellows, browns, turquoises, and greens, and beautifully lit by Gil Wechsler, were themselves a spectacle. Pharaonic, this time in every sense of the word.
Natalia Di Bartolo © DiBartolocritic
PHOTOS © Metropolitan Opera | Marty Sohl