IL TROVATORE in Piacenza - Rezension

von William Fratti –Licht und Schatten, vorausgesetzt “Sie müssen nicht daran denken, erfolgreich zu sein, aber Sie müssen daran denken, es gut zu machen” –

Die Neuproduktion von Il Trovatore im Teatro Municipale von Piacenza hinterlässt Spuren bei einem begeisterten und begeisterten Publikum. Es ist schön, einen bis zu diesem Punkt lebendigen Raum zu sehen, und der Eifer ist mehr als gerechtfertigt und passt gut zu einer Show, die insgesamt Emotionen hervorruft, was der Hauptzweck dieser Kunst ist. Dennoch ist es nicht ohne Schatten.

Die Inszenierung von Stefano Monti, die in den Szenen von Allegra Bernacchioni und in den Lichtern von Fiammetta Baldiserri unterstützt wurde, ist gut gemacht und hätte etwas mehr geben können, wenn die Säulen mehr bewegt worden wären und diese Strukturen auf Rädern vermieden worden wären, die eher zum Nachdenken anregen als Melodrama eines Baumarktes. Auch die Metallbehälter sind vernachlässigbar. Und die roten Saiten, mittlerweile ein charakteristisches Merkmal von Montis Regie, sind ehrlich gesagt peinlich. Die Richtung ist hier auf einigen Ensembleseiten gut zentriert, in vielen Solostimmen jedoch auf einzelne Positionen reduziert.

Matteo Beltrami ist ein so guter Dirigent wie eh und je – die Verbindung mit der Bühne ist sehr effektiv – und das Italienische Philharmonische Orchester folgt ihm gut, aber es sollte beachtet werden, dass der Klang oft kräftig ist und es der Wiedergabe an Chromatik mangelt. Ausgezeichnete Hornarbeit.

Licht und Schatten auch beim Singen, ausgehend von der Annahme, dass wir, wie ein großer, früh Verstorbener sagte, nicht an den Erfolg denken dürfen, sondern daran, es gut zu machen. Eine weitere wichtige Annahme liegt in der Vorbereitung auf den Verdi-Gesang, der stets der großen Popularität der Swan-Opern zum Opfer fiel. Bis zum letzten Jahrhundert gewöhnten wir uns an eine Tradition, die die Modelle und Geschmäcker der Zeit repräsentierte. Bisher gibt es nichts zu bemängeln. Im neuen Jahrhundert hat ein immer kleineres und weniger beliebtes, dafür aber anspruchsvolleres und anspruchsvolleres Publikum auch dazu geführt, dass Künstler zunehmend die Philologie und die Unterschiede zwischen den Stilen respektieren wollen. Heute haben und erfreuen wir uns dank italienischer und ausländischer Schulen, die gut gearbeitet haben – und wir hoffen, dass sie ihre Ergebnisse auch in den kommenden Jahren fortsetzen werden – vor allem dank der Arbeit hervorragender Musiker, einer langen Tradition exzellenter Barock- und Rossini-Musik Sänger. Aber Verdi? Und Puccini? Gerade wegen der großen Beliebtheit ihrer Meisterwerke war nie daran zu denken, einen Präzedenzfall zu schaffen, sondern alles wurde stets der Mode des Augenblicks überlassen.

In dieser Produktion ist Anna Maria Chiuris Azucena die einzige, die die Partitur vollständig respektiert, was uns eine echte Lektion im Verdi-Gesang erteilt. Jedes Wort wird mit Sorgfalt intoniert und formuliert, wobei alle von Verdi gegebenen Anweisungen befolgt und im Laufe vieler Jahre ihrer Karriere entwickelt wurden, ohne Rücksicht – wenn man das so sagen kann – auf ihre Kollegen und das Orchester, die sie manchmal zu dominieren scheinen, da ihre Professionalität dies tut Sie lässt sie nicht zu einer sensationslüsternen Darbietung tendieren, sondern regt sie eher dazu an, zarte Pianissimi oder dramatische Akzente zu erzeugen, manchmal verzweifelt, manchmal erbärmlich, wo und wann immer es nötig ist; das heißt, wo und wann ist in der Partitur angegeben.

Angelo Villari, Manrico, ist zweifellos ein sehr großzügiger Sänger, ein Tenor mit Schliff und ausgezeichnetem Klang. In manchen Momenten berührt seine Stimme emotionale Saiten und die Bitte des Scheiterhaufens um eine Zugabe ist völlig berechtigt. So wie Ernesto Petti, Conte di Luna, ein Bariton mit einem schönen Gesangston ist und auch er auf der Bühne den gebührenden Applaus erhält. Aber wo sind die Farben für beide? Die Akzente? Ausdruckskraft? Beide singen fast den gesamten Part im Forte oder Medium Forte und haben kaum Rücksicht auf die zu erwartende Dynamik. Doch wo war der Dirigent während der Musikproben?

Eine gesonderte Diskussion für Chiara Isottons „Leonora“, die zweifellos versucht zu formulieren, aber das Ergebnis ist eher gemischt. Eine schöne Stimme, die perfekt zum Cantabile des vierten Aktes passt, in der ersten Arie und in den Charakterpartien jedoch weniger solide ist. Sie wirkt fast wie eine junge Sängerin, die noch auf der Suche nach der richtigen Interpretation für die Rolle ist, aber das sollte nicht der Fall sein.

Gute Leistung von Giovanni Battista Parodi, der einen klar definierten Ferrando auf die Bühne bringt.

„Ines“ von Ilaria Alida Quilico war sehr gut.