Rezension: DIE RÜCKKEHR DES Odysseus in die Heimat von Monteverdi in Innsbruck

Rezension: DIE RÜCKKEHR DES Odysseus in die Heimat von Monteverdi in Innsbruck, bei den Innsbrucker Festwochen der Alten Musik, im Rahmen der Feierlichkeiten des Musikers.

Von Lukas Franceschini

Innsbruck, 14. August 2017.

Bei den Innsbrucker Festwochen der Alten Musik durfte im Rahmen der Feierlichkeiten zu Claudio Monteverdi eines seiner Werke nicht fehlen und so wurde „Die Rückkehr des Odysseus in die Heimat“ im Tiroler Landestheater aufgeführt.

Das Thema ist Homers Odyssee mit einem Libretto von Giacomo Bordaro entnommen, und das Werk mit dem Titel „Tragödie mit Happy End in einem Prolog und fünf Akten SV 325“ wurde erstmals im Teatro di San Cassiano bzw. Teatro Santi Giovanni aufgeführt Paulus in Venedig im Jahr 1641. Die Geschichte folgt getreu Homers Text (Bücher XIII-XXIII).

Im melancholischsten und meditativsten von Monteverdis drei Werken ist Odysseus, der Protagonist, eine Art zerbrechlicher Held, der mit dem erworbenen Wissen nicht zufrieden ist, sondern umso mehr danach strebt, die in fünfzehn Jahren verlorenen Zuneigungen wiederzuentdecken. Monteverdi erreicht absolute Höhen in der musikalischen Erfindungsgabe und der psychologischen Selbstbeobachtung der Charaktere. Die Szene der Wiedererkennung von Odysseus und Telemachos ist noch außergewöhnlicher als die zwischen dem Protagonisten und Penelope. Das Geschick, mit dem der Komponist die Rollen gesanglich auszeichnete, war sehr originell. Jede Figur zeichnet sich durch eine ihrem Rang und Temperament entsprechende Ausdrucksweise aus: Die übermenschliche Dimension der Gottheiten wird durch den hohen, melismatischen Stil vermittelt, während Rollen wie die des Melanthus und Eurymachos stets mit leichten Liedern eingreifen. Die strenge Penelope deklamiert ein strenges Rezitativ im tragischen Stil des Odysseus, der sich jedoch verdoppelt und im Zustand eines falschen Bettlers den bescheidenen Stil nachahmt. Antinoos drückt sich mit einer undurchdringlichen Deklamation von Sprüngen aus, ein Zeichen hoher sozialer Stellung, aber auch von Verderbtheit. Und etwa im Vergleich mit Eumete kollidieren seine unbeholfenen Registerwechsel mit der gelassenen Gelassenheit des Hirten, die einen durchschnittlichen Stil und seinen minderwertigen Zustand widerspiegelt. Durch die Beachtung der unterschiedlichen Darstellungsarten entsteht eine stimmliche Rhetorik, die für theatralische Zwecke verwendet wird: Die Art und Weise, wie sich die Figuren ausdrücken, ist wichtig, und die von Zeit zu Zeit gewählte stilistische Ausrichtung ist für die Geschichte von Bedeutung, beispielsweise wenn eine Figur den Raum verlässt übliches Register, um gegen ein anderes anzutreten.

Das Rezitativ ist voller lyrischer Wellen, wiederholter Bemerkungen und rhythmischer Hinweise, die nach einem Sprung wieder in die freie Deklamation, wie in freudige Hingabe, zurückfallen. In den Momenten, in denen das Rezitativ aus theatralischen und interpretatorischen Gründen zum Arioso aufsteigt, unterstreicht der Komponist seine Dimensionen, indem er die dargestellte Zeit forciert und der Logik von Affekten und Musik folgt.

Die einzige handschriftliche Kopie, die von der Rückkehr des Odysseus in seine Heimat existiert, wird in Wien aufbewahrt und von einem Kopisten verfasst. Die Rekonstruktion der Entstehungsgeschichte der Oper erfolgte 2007 auf Basis der zwölf Originallibretti. Doch anlässlich der Aufführungen in Innsbruck bereitete ein ausgezeichneter Musikwissenschaftler wie Alessandro De Marchi eine andere Version vor, die in zwei Teile gegliedert war, das Rezitativ verstärkte, es musikalischer und „theatralischer“ machte und andere Kompositionen von Monteverdi selbst (Madrigal) einbezog „Klage der Nymphe“ und Madrigal „Zefiro kehrt zurück“) und von Francesco Cavalli (Symphonie 12). Eine Wahl, die viele als nicht philologisch bezeichnen werden, aber ich denke, dass sie für die Zwecke der Darstellung sowohl aus dramaturgischer als auch aus musikalischer Sicht sehr effektiv war, da sie nichts wegnimmt, im Gegenteil, sie bietet mehr Tiefe .

De Marchi selbst ist der Hauptarchitekt der wunderschönen Aufführung, die wir gesehen haben. Als erfahrener Kenner des Barockrepertoires leitete er das hervorragende Orchestra Academia Montis Regalis (auf Originalinstrumenten) mit fester und kompetenter Hand. Die Anweisungen des Regisseurs an die Sänger hinsichtlich des Textes waren sehr abwechslungsreich, so dass die Rezitative sehr gut vorgetragen wurden und wir nicht in die klassische Banalität verfielen, die manchmal in Langeweile mündete, sondern im Gegenteil ein spannendes Werk hörten. In den Ariosi und Ritornellen herrschte eine archaische Eleganz von großer Wirkung und brillanter Ausführung vor.

Die Besetzung insgesamt war sehr gut und es herrschte eine tolle, flüssige und dynamische Führungsklasse. Kresimir Spicer, Ulysses, war ein sehr sanfter und stilisierter Sänger, der fröhliche Farben und Akzente fand. „Penelope“ von Christine Rice ist sehr relevant, mit einer melodiösen und traurigen Stimme, aber ohne sie zu überbeanspruchen, denn in den aufregendsten Momenten findet sie eine schöne Kraft und eine lebendige Phrasierung, zu der eine schöne Vokalisierung und eine ausgezeichnete Aussprache hinzukommen müssen.

Gut gemacht an den Countertenor David Hansen, Telemaco, mit einem sehr klaren Timbre, das seine Jugend bestimmt, und einer guten Technik, die es ihm ermöglicht, die blumigen Passagen brillant zu überwinden. Vigdis Unsgards Melanthus ist gültig, anmutig und präzise, das Gleiche gilt für die geistreiche und elegante Ingebjorg Kosmo, Ericlaea.

Bemerkenswert ist die Klasse von Jeffrey Francis, Eumete, vor allem in seiner Diktion, Carlo Allemanno, einem sehr bemerkenswerten Iro, und Petter Moen, Eurymaco, von präziser Musikalität. Von den drei Verführern der Penelope schätzen wir Marcell Bakonyis Antinoos und Francesco Castoros Amphinomus für seinen Stil, während Hagen Matzeits Pisander eher zerbrechlich und stimmlich anmutig ist.

Professionell, aber auch sehr abwechslungsreich im Gesang sind Nina Bernsteiner (Juno und Love), Halvor F. Meilen (Jupiter), Andrew Harris (Neptune und Time) und die funkelnde Ann-Beth Solvang (Minerva und La Fortune).

Die Show, eine Koproduktion zwischen den Innsbrucker Festwochen und der Norske Opera Oslo, wurde von Ole Anders Tandberg inszeniert, das Bühnenbild übernahm Erlend Birkeland, die Kostüme Maria Geber. Wir haben keine sehr relevante Interpretation des Werkes gefunden, selbst wenn es auf den heutigen Tag aktualisiert wurde. Alles spielt sich in der eleganten Umgebung eines reichen Adelshauses ab, wo Penelopes (oft im Hochzeitskleid) Warten auf Odysseus zu einer Art Pantomime entwickelt wird, die eher komisch als dramatisch ist. Die Charaktere treten ein und aus und schaffen autonome Szenen, oder sie stehen alle auf der Bühne, auch wenn sie nicht singen und sich wie in einem Ibsen-Drama als Statisten ausgeben. Das alles ist wenig glaubwürdig und in vielerlei Hinsicht nicht sehr nachvollziehbar. Hervorzuheben ist jedoch das Können der Sänger, die in dieser abstrusen Konzeption nicht nur hervorragende Interpreten, sondern auch hervorragende Schauspieler waren. Die elegante Szene wurde manchmal in anderen, intimeren Umgebungen wie der Küche oder dem Billardzimmer für das Spiel entwickelt. Standardkostüme mit heutiger Kleidung, die weder bewundert noch missbilligt wurde.

Die fast vier Stunden der Aufführung wurden zu einem bewundernswerten und sehr fesselnden Hörerlebnis, die Missverständnisse der Show wurden durch die Musik und die Aufführung überwunden, die am Ende langen Applaus im ausverkauften Tiroler Theater verdiente.

PHOTOS Innsbrucker Festwochen e Norske Opera Oslo