Geschrieben von Natalia Di Bartolo —

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Das Design:

Akademiker, Schriftsteller, Musiker und Förderer von Kunst, Politik, Militär, Giovanni Maria Bardi di Vernio Showdown war ein Vertreter der großen Interesse der späten Renaissance italienischer Kultur, erstellen und Animieren von der so genannten “Camerata-Fiorentina” (oder, von seinem Nachnamen, “de’ Bardi”), ein Kreis von Künstlern und intellektuellen, die in seinem Palast, Akademie, Hauptthemen zu behandeln war mit Bezug zur klassischen Kunst.

Zwischen 1576 und 1592 diskutierten Dichtern, Musikern, Schriftstellern und Männer der Kultur, die in der Regel Bestandteil des oberen Zimmers, gründlich und in voller Kenntnis der Sachlage eine Palette von Themen, von der Wissenschaft zur Poesie, Musik. Insbesondere im Rahmen der Diskussionen über die Kunst der Musik produziert und ihre Beziehung mit dem Wort ", Giovanni de ' Bardi und seine Kameraden waren von großem Interesse und Schlussfolgerungen sehr innovativ.

Im vorliegenden Fall, mit der Bardi und die Beziehung zwischen den Sound, das Wort und den szenischen Raum untersuchen dann brachte in vielen war es Zeit für einen Wechsel: die einzige nicht genug mehr Polyphonie; neue Ideen wurden benötigt, ein neues Leben, Stil und Inhalt der Musik zu erneuern und auch öffentliche Krankheit gefangen solche Kunst und ihre Zinsen zu erhöhen.

Gemäß der Konvention wurden die mehrstimmige Werke, die dann fast alle musikalischen Produktionen waren, “codierte”; viele Stimmen, waren derart, dass die Stimmen, die sang überlappen und sie in Helldunkel und Modulationen, Formular unterstützt werden strukturiert “Akkorde” perfekt, in virtuosen Weiterentwicklungen von seltener Schwierigkeit und kompositorischer und folglich auch ausführender Verfeinerung. Mit anderen Worten, der Chor wurde wie ein Musikinstrument, aus dem der Leiter mit den notwendigen Systemen das Gesamtergebnis schöpfte, das der Autor genau zu diesem Zweck und zu diesem Zweck geschrieben hatte. Es ist kein Zufall, dass in einigen polyphonen Chören der Leiter auch heute noch die Sopranstimmen rechts von sich platziert und die anderen Stimmen ihm folgen (selbstverständlich in mehreren Reihen, wenn auch zahlreich): gerade weil er, im übertragenen Sinne, “klingt”wie auf einer Tastatur die “Instrument-Chor”. Dies natürlich nicht begünstigen (noch immer werden) das Verständnis, da musikalische Phrasen traf und sich überschnitten, speziell geschrieben, wie zuvor erwähnt, um dieses Ergebnis zu machen. Der Wortlaut des Textes, war dann absolut abhängig von der harmonischen Finale.

Dies war dann plausibel in der Masses oder 300 Motetten, aber nach der großen Evolution solche Kompositionen in '400 und mit nachgewiesene Fähigkeit der Komponisten, Autoren 500 Madrigale für fünf und sechs Stimmen und sogar mehrere Chöre, Polyphonie eingehalten wurde, konnte nicht mehr Hunger stillen Musik Kunst Kultur der Periode gequält. Dies ist nicht der Fall, aber, wie einige meinten, haben, nur ein Problem der “Verständnis der Wörter” aus dem Publikum: Es scheint eine Untertreibung. Sie sollten, jedoch in den Diskussionen der Camerata Fiorentina über die Ausübung der Geschmack für das Wort (die enthalten, führt zu innerhalb des musikalischen Ausdrucks gleich mitnehmen würde), Aktion und lesen die “Vision” angenehme und ansprechende; Dinge, die einen Chorgesang, raffiniert, bieten nicht konnte: es, seine essentielle Natur (d. h. ohne pompöse und künstliche Kulissen Choreographie von gewundenen, gut gekleidete Extras, die Sie das Auge der Zuschauer magische Wurzeln genießen), bot nichts mehr als ein reines “Freude” harmonische und melodische.

Im oberen Zimmer suchte er eine neue Musikrichtung, welche Ovviasse für die "Unannehmlichkeiten" singen "Kollektiv" zu entwickeln. Sie sahen die Lösung offensichtlich in der Einleitung zu den einzelnen Song: singen, einen Text auf einmal von einer einzelnen Person könnte fördern die Idee, etwas anderes zu inszenieren und daher nicht mehr vorwiegend zur Kirche oder die großen Parteien, sondern vor allem Renaissance-Theater, künstlerisches Umfeld bis dahin bedeutete die Umzäunung der Prosa.

Was daher des theatralischen Diktion, sortieren, suchen, dieses neue Experiment zu führen? In der Wissenschaft, war offensichtlich bei noble Resources der griechischen Tragödie, dass Humanismus hatte gefunden neues Leben und neue Wissenschaftler und Enthusiasten und wer schon damals die ausgezeichnetsten Hochachtung. Die griechisch-Monodie galt dann, als ein Beispiel für “reine Musik”denn nicht nur gehören Klassizismus, aber deutliches Beispiel der melodischen und rhythmischen "gesprochene" Metrik, die gezwungen, die Klängen zu modulieren und die Akzente vertraute Wörter je nach dem Zähler zu verlagern. Sie fingen an, es zu studieren, mit der Absicht, etwas höchst innovativ zu erzeugen.

Aber die Lösung, die zu einem "modernen" konkreten Ergebnissen führen würde, war es nicht einfach, noch auf der Seite, obgleich es theoretisiert wird eine “vertont” der Text, der vom Kläger vorgetragen. Aber wie? Und welcher Text? Langatmig und abstrusen könnte eine ganze Tragödie in Musik übersetzt sein. Die Idee von sehen und hören mit dem Schauspieler, anstatt zu handeln sang, war schon etwas verwirrend. Es begann dann, Musiktheorie zu studieren.

Die griechische Tragödie, inbegriffen nicht zu vergessen auch die Musik, die leider sehr wenig übrig ist; der Chor nicht gelesen, aber sie sang. Das Studium fast nur theoretisch diese geheimnisvollen Mechanismen ausgesetzt zwischen Prosa und Musik, war keine triviale Angelegenheit. Sie beanstandet, dass die Etymologie des Wortes “Polyphonie” das Wort übersetzen “Viele sounds” (Poliùs-Fonòs = / viele Geräusche oder Stimmen). Gewesen auch das neue Genre, das Sie, dann gesucht wäre Teil der Polyphonie? Wollten Sie gebären statt, etwas deutlich anderes, musikalischen Ausdruck und Theater-, doch zur gleichen Zeit keinen Namen. Erkennen Sie, dann, dass “Recitar cantando” davon schrieb bereits Baldassare Castiglione, 1528 er: “(…) Parmi Gesang dankbar Bratsche für Act; welche viel Anmut und Wirksamkeit (Wörter hinzugefügt…)”.

Die Realisierung:

Die ersten Versuche der “Musical-Theater” (nennen wir es ursprünglich auch), produziert in Zwischenprodukte “Der Pilger” Bargagli 1589. Aber, um die Ziel-Prefissosi vollständig zu erreichen, war es notwendig, um eine gesamte Operngesang und darstellbar wurde vereinbart, dass die alten Texte sich schlecht für Komplikation sowie Länge und Schwierigkeiten bei der Anwendung der Musik auf Text, auf die neuen Bedürfnisse, die nicht langweilig eignen, sondern ziehen den Betrachter. So entstand die Figur des “Librettist”der Schriftsteller, der übersetzt und zusammengefasst in den Versen die alten Texte in eine neue “Broschüre” aus der Text gerendert Musicabile. Solche, oft undankbare und wenig zu betrachten, Aufgabe hatte große Entwicklung und vor allem die 800 wurde eine echte “Handwerk”.

Die erste “Broschüre” Es wurde geschrieben von Jacopo Corsi und Ottavio Rinuccini und Anspruch “Dafne”. Musik von Jacopo Peri, wurde 1598 inszeniert. Aber noch fehlte die "Quid", die eine Separate original machen würde und das neue Genre, das gerade war erprobt und getestet auf ein Publikum, das natürlich zu sehr unterschiedlichen Darstellungen gewöhnt. Es war Claudio Monteverdi, wer sich das Drama selbst in Madrigale gewidmet hatte, zunächst zum Ergebnis viel begehrt, mit "Orfeo Ansatz”im Jahre 1607.

Die Musik war geprägt von der Autor je nach Bedarf. Das Lied verändert innerhalb von einander, manchmal in Rezitativ, dann nehmen Sie den Charakter von "air”mit der innovativen Zwischenspiel Duette ändern den Zähler des Verses aus binären ternäre und umgekehrt, verändert und entwickelt sich ständig, um die Geschichte zu folgen. Wie rufen Sie das neue Genre, das gerade geboren? Sie wählten den geeignetsten Begriff: "Melodram”. “Mèlos”in dem Altgriechischen bedeutet es “Musik”. Die Etymologie der anderen Hälfte des Wortes ist klar. Es gab keine Notwendigkeit, es zu übersetzen “Tragödie”sondern nur “Schauspiel”Von “dràgma” dass in dem Altgriechischen, bedeutet “Theater-performance” In der Regel ohne Unterscheidung zwischen Tragödie und Komödie.

Dass Sie in den frühen Melodramen mythologischen Themen ausgewählt haben, ist bezeichnend für die Schaffung einer “Gattung” Jedoch courtly angewiesen, eine gebildete Publikum, Tacitus, clever Verweis auf was die Unterscheidung zwischen ankam. “Tragodìa” und “Comodìa”, die in das griechische Theater betrieben.

Und der Chor verschwunden? Überhaupt nicht. So wurde er auch “Charakter”immer kombiniert an sich, sondern ein integraler Bestandteil der Entwicklung der Handlung. Wie in der klassischen griechischen Theater der Chor war wichtig, weil, in der Regel die Beweinung Christi, die Freude, das Leid der Volkssolidarität mit den Protagonisten der “Schauspiel”Aber auch die Stimme des Dramatikers (eine Art von “kollektiven Bewusstseins”oder besser gesagt, war eine Entität, die oft “die moral” szenische Erzählung); Ebenso war es noch in das Melodram. Es verschmolzen mit der Aktion, anders als was geschah in der statischen Polyphonie und sang in einer weniger Wirren und überlappende, trotzdem sie konnte verstehen, was du gesagt hast.

Der Chor der Oper spielte eine Vielzahl von Faktoren, die in einem Chor, sogar erhöht, nicht existieren könnte. Der anonyme Sänger der Polyphonie war zu mischen Ihre Stimme mit der von anderen Sängern und erstellen Sie eine harmonisch mit ihnen. Ebenso waren in dem Melodram die Einzelerfassung Chorsänger, noch anonym, Sie Amalgamava mit der anderen, aber melodische und harmonische, die Linien oft im Unisono, verlassen “sprechen”, singen, mit mehr Klarheit der “Chor-Charakter”.

So entstand eine "Musikrichtung" neue und in allen seinen Teilen vollständig: Es gab eine Zeit, wenn das theatralische Drama gestellt wurde; Es gab Zeichen (Gesangssolisten), gab der Chor, Orchester, Kostüme, Szenen. Es gab (zumindest als “kanonisierten Abbildung”), der Dirigent. Seltsam, aber wahr. Von der Geburt bis das erste Melodram von 800 (einschließlich Bellini, zum Beispiel), die Figur des “Dirigent” Gab es nicht, wie wir es heute, mit einem Lehrer kennen, stehend auf einem Podium mit Zauberstab in der hand. In den Orchestergraben, richtigen Namen der so genannten “Orchestergraben”, die Musiker spielten selbst und der Autor der Musik, vor allem bei "Prime" Vertretungen am Cembalo und von dort er feeled die Stimmung des Publikums saß, erhielt Beifall und Aufrufe an das Proszenium oder Sorbiva Pfeifen und eingefasst mit Kritik und Kichernde im Falle der “Fiasko” (nicht selten Situation, zu der Zeit). Die ersten Dirigenten stieg regelmäßig auf dem Podium um die Oper nur in Richtung der zweiten Hälfte des 800 zu leiten.

Die neue Musikrichtung würde entwickeln sich im Laufe der Zeit verändert, erweitert, bereichert, bis Sie zu uns kommen. Durch die Götter und griechischen Helden, erste Protagonisten zum heroischen Troubadoure, Führer und Grundsätze der Romantik, die bürgerlichen Verismus, die modernen Zeichen uns zeitgenössische Werke war Melodram von bevölkert. “Zeichen” und “Texturen” vielfältig und bunt, oft tränenreichen, tragischen, heroischen oder moralistischen oder Märchen oder “Buffe”in einem Kaleidoskop, die es noch mehr faszinierende und reiche musikalische Geschichte und die Vielfalt der Kunst für uns verfügbar macht. Es war nur die Musik zu "schleppen" Texten auf dem Weg der Entwicklung der Oper, als der Protagonist; aber die Texte, die sie mit beträchtlichem Einfluss, als Basis und als Klebstoff handelten. Und zu glauben, dass dies alles hauptsächlich aus Florenz, aus dem Kreise der brillant "Denker", Liebhaber von "Wort" stammt, zu dem man nur, ehrfürchtig sein kann, ewig dankbar.

Natalia Di Bartolo