LUCIA DI LAMMERMOOR an der Mailänder Scala - Rezension

Von Natalia di Bartolo – Lucia di Lammermoor, Donizettischer Traum, Kreuz und Entzücken für jeden Sopran, Meisterwerk von Meisterwerk von Walter Scott; kurz: ein Relikt. Und als solche müssen die Reliquien behandelt werden.

Bei Teatro alla Scala in Mailand, am 14. April 2023, das Meisterwerk von Gaetano Donizetti Es ging auf die Bühne, während alle warteten, verschoben, wie es für die Pandemie gewesen war. Alle lauschen und beobachten daher mit angehaltenem Atem die Inszenierung der ersten Version, derjenigen von 1835, die vom Maestro Concertatore und Orchesterdirigenten ausgewählt wurde Riccardo Chailly.

Meister Chailly non ha compiuto una scelta facile, nel senso che molti melomani disinformati si sono visti orbati, nella scena della pazzia, della cosiddetta “Flöte Kadenz”, wie es uns überliefert ist, von der brillanten Laune der australischen Sopranistin Nellie Melba der 1889 im Palais Garnier „seine Version“ von Donizettis Szene interpretierte, nachdem er zehn Tage lang geprobt hatte, um sie zu perfektionieren, und einen durchschlagenden Erfolg erzielte: la sua versione, già nel 1893, era ormai “kanonisiert”. Con la Melba, Lucia passa dalla verrückt vor Liebe vom frühen neunzehnten Jahrhundert bishysterisch Ende des Jahrhunderts, auf dem Abdruck der in dieser Zeit wuchernden Schriften über Hysterie.

Aber ohne auf das interessante psychiatrische Thema einzugehen, das möglicherweise sowohl die musikalische als auch die Bühnenaufführung beeinflusst, kehren wir zu der Version zurück, die unter der Leitung von aufgeführt wurde M ° Chailly, mit einem’Orchester des Teatro alla Scala geradezu erstaunlich, der ihm folgte und ihn mit Eleganz und Maß verwöhnte.

Die agogische Wahl von Chailly es war der Druck der Zeit. Nicht so sehr durch die Änderung seiner Dauer, sondern durch die Steigerung seines romantischen Wertes und damit nicht mehr Fin de Siècle à la Melba, sondern genau nach den zeitgenössischen Kanonen des Schreibens, um die oben erwähnte psychologische Tatsache einzufangen, aber vielleicht seine Lyrik mehr als seinen Heroismus zu steigern oder Tragödie. Das Dirigat war daher tadellos und natürlich kann man den Taktstock von Regisseur Chailly nur loben: Meißel in der Dynamik, Unterstützung für die Coro, was in der Oper einen wichtigen Stellenwert hat, Unterstützung der Darsteller, großer Zusammenhalt, wie gesagt, im Orchester.

Und hier ist es daher an der Zeit, mit einer Besetzung auf der Bühne zu landen, die Lärm gemacht hat, während sie darauf wartete, angehört zu werden: das Warten auf Zuhören Lisette Oropesa als Lucia und vielleicht vor allem Juan Diego Florez im Teil Edgardo, al di fuor del suo cliché rossiniano o comunque generalmente scevro dal “tragisch romantisch”.

Lisette Oropesa Sie gab ihr Bestes, sowohl stimmlich als auch szenisch, aber das bedeutete nicht, dass sie sich als uneingeschränkt glaubwürdige Lucia erwies. Musikalisch absolut korrekt und aufmerksam auf Bläserzuckungen und Pausen, auf die Modifikationen von Kadenzen und Libretto, auf die Begleitung mit der Glasharmonika, verfügt die amerikanische Sopranistin jedoch nicht über ein besonderes expressives Identifikationsvermögen. Der zutiefst tragische Sinn der Figur ist trotz der schauspielerischen Bemühungen der Protagonistin verloren gegangen, gerade durch die Art ihrer Stimme, die im Vergleich zu ihren Parametern auch dünn geworden zu sein scheint, und ihrer kleinen Figur “brennbar”. Nicht einmal die Wahl des Direktors, der sie aus dem Büro zurückholte, half ihr’Hysterie die verrückt vor LiebeSie verbesserten auch nicht ihre Frisur und die Kostüme der 1940er Jahre (wir werden auf das Thema zurückkommen).

An seiner Seite dagegen John Diego Florenz, Edgar, come sempre, invece, tutto cuore e amore, ha dispiegato una voce corposa, sorretta da un afflato romantico “neu” für ihn, dass es zu ihm passt und dass er sich vielleicht als eine Art von zeigt “Geisel” rispetto all’età che avanza ed alla vocalità che cambia. Ma cambia senza danni, nonostante qualcuno voglia trovare il solito pelo nell’uovo e decretarne qualche defaillance; tanto che, nonostante anch’egli non fosse aiutato dai costumi e men che meno dal regista, ha cercato di esplorare il lato romantico e tragico del personaggio, rendendolo forse il più credibile in scena o, comunque, il più immedesimato e, vocalmente, decisamente il migliore.

Ohne Schande und ohne Lob, der Bariton Boris Pinkhasovich ha sostenuto con professionalità il ruolo del fratello Enrico, dotato di una voce che non ha nulla di particolarmente interessante né gradevole, mantenendo anche una cura spasmodica, forse eccessiva, della copertura del suono a favore della proiezione. Dato a suo favore, comunque, è stata l’interpretazione contenuta, che non tracimava nella crudeltà del fratello carnefice, così come spesso accade.

Unser Michel Pertusi, als Raimondo, an all die Basspartien gewöhnt, die die mittlerweile (leider) alte Generation großer Bässe (zu der er schließlich auch gehört) nicht mehr üben, sobald sie aus der Szene kommen, wegen stimmlicher Qualität und Erfahrung, offensichtlich, er hat verdienten Erfolg.

Angenehme und sehr korrekte Nebendarsteller: Leonardo Cortellazzi, Arthur; Valentina Pluschnikova, Alice und Giorgio Misseri, Norman. Des Chor, Regie Alberto Malazi, es wurde schon gut gesagt.

Und hier kehren wir zurück florez: Ich wollte ihm mit geschlossenen Augen zuhören, denn, wir wissen nicht warum, es scheint, dass die Kostümdesigner ihn für jede Rolle immer gleich anziehen: mit einem dunklen Mantel mit zusammengedrückten Schultern und einem Martingal ; und höchstens Hemd oder T-Shirt unter dem Hauptkleidungsstück wechseln. Eine Art unangenehme Ikone, nicht so sehr die Schuld des armen Flórez, sondern auch in diesem Fall aufgrund der geringen Vorstellungskraft von Yannis Kokko, auf die auch Regie und Szenen zurückzuführen waren.

Die Kokkos ha istituito una specie di statica postura per tutti gli interpreti e soprattutto per le masse. Ha lasciato Flórez, per primo, a se stesso ed il tenore, che non possiede particolari doti espressive nella recitazione, ha fatto davvero miracoli. La Oropesa, a maggior ragione, per la sua natura, avrebbe avuto bisogno di maggiore guida a favore di credibilità, anch’ella coi vestitini anni ’40, scelti dal regista quale periodo di ambientazione, che vestivano tutti e che si fondevano nella loro foggia fuori luogo ad una scenografia bieca, cimiteriale aliena, altrettanto fuori luogo. Fucili e pistole alla mano, gli interpreti: banditi dalla scena spade e pugnali…Aber dann wird Edgardo in einer plötzlichen Regie-Inspiration zum Festhalten am Libretto gezwungen, Selbstmord zu begehen, nicht mit einem Dolch, sondern mit einem schmutzigen Springmesser, das er in der Tasche seines Mantels aufbewahrt und das er zuerst öffnen muss: sogar für unwürdig befunden der krassesten Richtung von Cavalleria Rusticana.

Il tutto partorito dalla mente del regista, che, a suo dire, svecchiando la questione “historischen” dell’Opera (che invece è importante, anche ai fini registici: si parla di storia scozzese con molta chiarezza nel libretto!) ha inteso sottolineare l’ormai inflazionata, sia pur motivata, esaltazione della condanna della “Gewalt gegen Frauen”. Nichts Neues unter der Sonne, in der Tat, unter dem Glanz, der sich in den mit riesigen symbolischen Statuen geschmückten Szenen und im sich öffnenden Boden widerspiegelte’ unvermeidliche Treppe im Hintergrund, mit der Lichter von Vinicio Cheli, in una atmosfera grigia, cupa ed irreale.

Großer Erfolg beim Publikum, wie erwartet, mit mehrheitlichem und unverschleiertem Ausdruck des Widerspruchs für den Regisseur, aus gutem Grund.

Foto Brescia und Amisano