Rezension: ATTILA am Teatro alla Scala

Redaktion von ©dibartolocritic

Rezension: ATTILA am Teatro alla Scala – Von Natalia Di Bartolo – Ein epochaler Attila für unsere (lineare) Zeit des dritten Jahrtausends –

Für neuere Operninszenierungen, die die Inszenierungen „aktualisieren“ wollen, scheint eine „dystopische Zeit“ mittlerweile ausnahmslos zwingend erforderlich. Es mag „dystopisch“ sein, aber es ist nicht so „dyschronisch“, weil wir uns immer mitten in der Nazizeit befinden. Unbeschadet der korrekten Referenzen, die immer noch „frisch“ und für die „Verjüngung“ eines jeden Operntyrannen gleichermaßen schmerzhaft sind, wirkt diese historische Periode nun überhöht. Am Ende sind wir dieser Lösung überdrüssig und kehren, um die ersehnte dystopische Zeit auszudrücken, zum regulären zeitlichen Kontext zurück, in den das Werk von den Autoren gestellt wurde. Es wird eine Freude für Puristen und ein Grund zur Erlösung für Philologen sein.

Während wir auf dieses Ereignis warten, unbeschadet dieser Annahme, die Springmesser anstelle von Dolchen und Pistolen und Gewehre anstelle von Schwertern und Speeren, aber vor allem dunkle Uniformen und dunkle und postapokalyptische Umgebungen für uns, die wir in unserer bescheidenen Aktualität leben, auferlegt und lineare Zeit, wenn wir die Opernproduktionen, die diesem Trend folgen, wirklich wertschätzen müssen, sollten wir zumindest angemessene Verbindungen und reichhaltige beschreibende und ästhetische Ideen finden.

Und’ Was sich am 7. Dezember 2018 im Teatro alla Scala abspielte, der traditionellen feierlichen Eröffnung der Opernsaison, die wie immer am Tag des Heiligen Ambrosius stattfand und sich auch an die gesellschaftliche und politische Öffentlichkeit richtete.

Der Staatschef Sergio Mattarella war anwesend, nach mehrminütigen Ovationen und der üblichen Nationalhymne eröffnete die Szene, wie es mittlerweile üblich ist (niemand weiß warum), mit vollständiger Einleitung und der erwähnten dystopischen Zeit, in diesem Fall konzipiert im Die neue Produktion von Regisseur Davide Livermore nimmt Gestalt an.

Der Zuschauer begriff sofort, dass wir es mit der oben erwähnten historischen Epoche zu tun hatten, aber es entstand sofort der Eindruck, dass alles sehr gut und mit großem Reichtum an Menschen und Mitteln geplant war. Aber wir werden darauf zurückkommen, denn wenn die Regie bereits in den Händen von Maestro Riccardo Chailly liegt, sind alle anderen Überlegungen zwangsläufig verstummt.

Der Maestro behielt das Tempo im Auge, das in manchen Momenten langsam war, aber nie nachließ. Die Aufmerksamkeit auf einige Dynamiken gegenüber anderen begünstigte etwas weniger Kampfkunst, wo sie vielleicht nötig gewesen wäre, aber Verdis Partitur wurde buchstäblich auf den Prüfstand gestellt: Nichts wurde übersehen, und da man bereits den zukünftigen Macbeth im Blick hatte, kamen die Farben ungewöhnlich und lyrisch zur Geltung Momente, die meist von rhythmischen überschattet werden und unbemerkt bleiben. Kurz gesagt: eine sehr stilvolle Regie, die dem Geschmack und der Natur des Maestro, wie er seit jeher bekannt und geschätzt ist, absolut gerecht wird. Das Hören dieses Meisterwerks ist ein großes Fest für den Geist, mit den Juwelen, die Chailly einbeziehen wollte: Forestos alternative Arie „Oh Dolore“, die Verdi mit Napoleone Moriani für die Mailänder Erstaufführung von Attila im Jahr 1846 geschrieben hatte, und die von Rossini komponierten Zeilen zur Einleitung eine konzertante Aufführung des Trios „Te sol quest'anima“. Italienische Köstlichkeiten.

Das dem Regisseur auf der Bühne zur Verfügung stehende „Gesangsmaterial“ war im wahrsten Sinne des Wortes beeindruckend. Ein klarer Beweis dafür, wie es heute möglich ist, in einem großen Theater eine „richtige“ Besetzung zusammenzustellen, ohne nach vierzigjähriger Karriere auf berühmte stimmlose Karyatiden oder vermeintliche Stars mit überhöhtem Ruhm zurückzugreifen. Der goldene Mittelweg: großartige junge Künstler, die zwar nicht mehr auf dem Vormarsch sind, aber bereits reichlich in internationalen Karrieren auftauchen, mehr oder weniger, aber mit STIMMEN begabt! Endlich eine Besetzung, die nirgends, auch nicht bei den Nebendarstellern, Wünsche offen ließ.

Ildar Abdrazakov ist ein stratosphärischer Attila mit echten Bassfähigkeiten, der nicht den tiefen Bass bläst, sondern ihn singt! Glück fürs Ohr und für die Seele (sowie für weibliche Augen): eine Stimme, die mit unendlichen Atemzügen ausgestattet schien, präzise, ​​nie übertrieben, gemessen, perfekte Diktion, kein Wort ging verloren. Auch eine wunderbare Interpretation. Der Schriftsteller hatte die Räumlichkeiten in Wien gesehen, in einem rossinischen Mustafà mit einer Agilität, die es als perfekt zu bezeichnen gilt, und mit einer überfließenden Sympathie: Der gute Morgen ist vom Morgen an zu sehen und verwirklicht sich auch im Tragischen, heute, in einem spektakulärer Verdi.

Als Gegengewicht zu ihm diente der römische Feldherr Aetius von Georg Petean. Außergewöhnliche Baritonstimme unserer Zeit, selbst ein Verdianer und mit einer galoppierenden internationalen Karriere. An einem bestimmten Punkt, während des Prolog-Duetts, war nicht klar, wer von beiden, zwischen ihm und Abdrazakov, mehr stimmliche Kraft und Kraft besaß, mit lehrbuchmäßigen Projektionen und perfekter Verschmelzung der beiden Stimmlagen. Daher ist auch Peteans Ezio, der sein Debüt an der Scala gibt, in jeder Hinsicht großartig.

Es hätte ihr ein wenig gefallen’ Kriegerischer und ausdrucksvoller, aber auch stärker im Klavier moduliert, ist die Odabella der Spanierin Saioa Hernández, die ebenfalls ihr Debüt an der Scala und in der Rolle gab, aber immer noch eine ausgezeichnete Wahl ist, um sie in eine Besetzung dieses Niveaus aufzunehmen der bereits bewährte Foresto von Fabio Sartori.

Die Nebendarsteller waren tadellos, unter ihnen ragten Francesco Pittaris Uldino und Gianluca Burattos gut besetzter Leone heraus. Der Chor und der Kinderchor des Teatro alla Scala unter der Leitung von Bruno Casoni waren hervorragend.

Ein epochaler Attila für unsere (lineare) Zeit des dritten Jahrtausends, der ebenso Spuren hinterlassen wird wie der von Muti mit Ramey/Attila und Zancanaro/Ezio im Jahr 1990 inszenierte. Nichts mit der einen Produktion mit der anderen zu tun, aber beides ist grundlegend.

Und um auf die heutige Produktion in ihrer Gesamtheit zurückzukommen, kehren wir auch zur Regie zurück, die Livermore krampfhaft beherrscht. Das Qualitätsniveau war sehr hoch und blieb während der gesamten Projektlaufzeit bestehen. Die Regielösungen, unterstützt durch die selten eindrucksvollen Szenen von Giò Forma und die sorgfältigen Kostüme von Gianluca Falaschi, gipfelten sogar in der Rekonstruktion von Raffaels Fresko im Saal des Heliodorus in den Vatikanischen Museen, das Attilas Treffen mit Papst Leo Magnus darstellt. Das Ganze erwies sich zweifellos als suggestiv und schuf eindrucksvolle Atmosphären, mit kinematografischem Geschmack, auch mit verschiedenen Zitaten aus Arthouse-Filmen, unter Verwendung des sehr modernen Videomediums D-Wok und der von Antonio Castro perfekt gestalteten Beleuchtung.

Vielleicht ein wenig’ Zu viele Eisen im Feuer, was die visuellen Lösungen angeht: Die Tableaux Vivents sind wunderschön, vor allem das traumhafte Raphaeleske, die rückwirkenden Videos von Odabellas Geschichte sind weniger kohärent, auch wenn sie erklärend und sehr gut gefilmt sind, einige übermäßige Schießereien komplett mit dem Ton des Schusses. Aber was will man mehr? Alle waren zufrieden, die Anwesenden, die Fernsehzuschauer und schließlich auch die Streaming-Zuschauer, die erstmals Zugang zur Sendung hatten; unantastbares Recht derjenigen, die die Lizenzgebühr zahlen, aber auch Pflicht der großen internationalen Theater, zu denen die Scala stolz rühmt, zu gehören.

Natalia Di Bartolo

FOTOS Brescia und Amisano