Rezension: MOSE’ IN ÄGYPTEN von Rossini in Novara – Das Coccia-Theater von Novara hat sich auf das schwierige Abenteuer der Inszenierung eingelassen –
Von William Fratti –
Am 150. Todestag von Gioachino Rossini führten viele Theater einige seiner Werke aus Pesaro auf, von den bekanntesten bis zu den am wenigsten bekannten. Das Coccia-Theater von Novara, in Koproduktion mit dem Teatro Verdi von Pisa, aus dem die Aufführung stammt, stürzte sich am 18. November 2018 in das schwierige Abenteuer, einen ziemlich schwierigen Titel zu inszenieren und die Wette zu gewinnen.
Francesco Pasqualetti zeichnet sich durch sein kompaktes und gut gemischtes Dirigat aus, aus dem sowohl in den Solomomenten als auch in den Ensemblestücken ein guter Dialog zwischen Graben und Bühne entsteht. Rossinis Stil ist sehr klar, nie mathematisch, immer aufmerksam auf die Phrasierung der Interpreten, die die Stärke der Aufführung ausmacht. Der einzige kleine Makel liegt manchmal in der überhöhten Lautstärke, auch wenn der schöne Klang des Orchestra della Toscana nicht als störend empfunden wird. Der von Marco Bargagna vorbereitete Ars Lyrica-Chor scheint der Situation völlig angemessen zu sein, auch wenn das große Gebet im dritten Akt „Dal tuo stellato soglio“ sicherlich nicht der gelungenste Teil der Aufführung ist.
Natalia Gavrilan, die eigentliche Protagonistin der Oper, bringt eine Elcìa auf die Bühne, die nicht besonders elegant ist, aber ihre Gesangstechnik perfekt zur Schau stellt, deren Rossini-Stil deutlich erkennbar ist. Der polierte Gesang mit den eigenartigen Ausfallschritten, die man mag oder nicht, die professionelle und solide Kompetenz, die hervorragende Virtuosität sowie die Fähigkeit, die Dynamik zu variieren, ermöglichen es ihr, die Tücken der Colbran-Rolle gekonnt zu meistern seinen Höhepunkt in „Torments! Problem! Heißhunger!“ am Ende des zweiten Aktes.
Sie wird von einem ebenso siegreichen Osiris flankiert. Ruzil Gatins Fähigkeit, Rossini zu singen, kommt von der Pesaro-Akademie und ist spürbar. Heller und gut projizierter Gesang – der Anklang von „Ah se can so Leave me“ ist sehr angenehm – leichte und schwebende hohe Töne, feinkörnige Beweglichkeit, eloquente Phrasierung. Hin und wieder hört man ein paar kleine Ungenauigkeiten und die Bühneninterpretation muss überprüft werden, aber es geht sicherlich nur darum, Zeit zum Reifen zu lassen.
Auch der Pharao von Alessandro Abis, ebenfalls aus der Schule von Alberto Zedda, ist gelungen, wenngleich die Partie für seine Stimmlage etwas zu hoch erscheint. Das Weben bringt ihn manchmal in Schwierigkeiten, aber er schafft es, das Problem mit großem Stil zu umgehen, dank seines Wissens über seine Mittel und was er anpacken kann. Er hätte angeblich einen großartigen Moses abgegeben.
Silvia Dalla Benetta, regelmäßiger Gast beim Rossini-Festival in Wildbad, spielt die Rolle der Königin Amaltea, eine undankbare Rolle, da sie von einer sehr langen Reihe von Rezitativen gesäumt ist, aber die erfahrene Sängerin erhebt sie zur Hauptfigur und erhält eine wohltuende Wirkung. verdienter persönlicher Erfolg. In den Ensemblestücken sticht die ausgedehnte Stimme hervor, gut projiziert und mit einem wichtigen Timbre; der Charakter und der dramatische Akzent kommen in den Rezitativen und im Quartett zum Vorschein; Aber erst mit „La Pace Mia Stradata“ – entlehnt aus Königin Amiras Arie „Vorrei vedar lo sposo“ von Ciro in Babylonien – zeigt sie ihre harmonischen Qualitäten voll und ganz, da sie es versteht, die Klänge zu verbinden, den Atem zu kontrollieren und Beweglichkeit mit extremen Mitteln auszudrücken Präzision.
Der als unpässlich angekündigte Federico Sacchi ist in seiner Bühneninterpretation ein überzeugender Moses, bestehend aus einer strengen und höchst autoritativen Figur, die einem Gemälde von Guido Reni entsprungen zu sein scheint, aber oft undurchsichtig ist und Schwierigkeiten beim Singen hat.
Die beiden Nebentenöre, der ausdrucksstarke Marco Mustaro als Mambre und der strahlende Matteo Roma als Aronne, sind mehr als ausreichend. Ilaria Ribezzis Amenofi ist richtig, aber glanzlos.
Die Show von Lorenzo Maria Mucci basiert auf einem bescheidenen, aber sehr effektiven – und ökologischen – Bühnensystem, kuratiert von Josè Yaque und Valentina Bressan, geschaffen von Officina Scart von Waste Recycling Gruppo Herambiente. Der fotografische Teil ist, auch dank der wunderschönen, von den Bühnenbildnern selbst entworfenen Kostüme, sehr angenehm. Die Regiearbeit ist jedoch etwas zu simpel und besteht fast aus Ein- und Ausgängen und Platzierungen. Es fehlen jedoch Bewegungen und Gesten, die an der Gruppe studiert wurden – so bleibt den einzelnen Darstellern wenig überlassen und die Unterschiede sind spürbar – ebenso wie die Gegenszenen, die in bestimmten Momenten die Geschichte unterbrochen hätten, die stattdessen nur durch unterstützt wurde der Regisseur und die Solisten. Die Lichter von Michele Della Mea sind auch nicht sehr prägnant, sie sind in ihrer Gesamtheit ausreichend wirksam, aber manchmal lassen sie die Protagonisten im Proszenium im Dunkeln oder bleiben lange fixiert, ohne dass sie den größeren Eindruck erwecken, dass sie nüchtern wären Inszenierung hätte stattdessen nötig sein.
Wilhelm Fratti
FOTOS © Finotti