Rezension: DER FREISCHÜTZ am Teatro alla Scala in Mailand

Redaktion von ©dibartolocritic

Rezension: DER FREISCHÜTZ am Teatro alla Scala in Mailand. Nach fast zwanzig Jahren kehrt das Werk Carl Maria von Webers zurück.

Von Lukas Franceschini –

Mailand, 20. Oktober 2017.

Nach fast zwanzig Jahren kehrt „Der Freischütz“ von Carl Maria von Weber, das Wahrzeichen der deutschen romantischen Oper, uraufgeführt am 18. Juni 1821 im Berliner Konzerhaus, in den Piermarini-Saal zurück.

Der Triumph, den das Werk bei der Uraufführung hatte, bestimmte seine rasche Verbreitung in kurzer Zeit, der ebenso triumphale Empfang in Paris im Jahr 1841 besiegelte seinen endgültigen europäischen Erfolg. Die Handlung der Oper ist deutschen Volkssagen entnommen und viele ihrer Arien wurden von der deutschen Volksmusik inspiriert, daher sind ihre nationale Identität und ihr raues emotionales Temperament Faktoren, die das Konzept der deutschen Nationaloper bestimmten, das seinerzeit etwas entgegensetzen wollte Vorbild des italienischen Melodrams, das feste Wurzeln im germanischen Raum hatte. Im Freischütz koexistiert neben dem Gesangslied und dem langsamen Walzer Landler, die beide aus der Folklore jenseits der Alpen stammen, auch eine Form der italienischen Tradition. Der natürliche Aspekt der Wälder und Berge kreuzt sich mit dem (sogar düsteren) Märchen, um eine süße Liebe zu verherrlichen, die zum Symbol der Gelassenheit und Intimität wird, selbst wenn sie im dunklen und höllischen Tal des Wolfes geboren wird, das eine übernatürliche und mysteriöse Dimension zum Ausdruck bringt typisch für die Frühromantik. Das Werk ist dem nicht neuen Prinzip des Singspiels mit Sprechdialogen nachempfunden, doch es entsteht zunächst eine Ouvertüre von ausdrucksstarker thematischer Einheit mit allen Motiven, die später in der Partitur wieder auftauchen. Nicht zweitrangig ist der sinnliche und evokative Zauber des Instrumentalklangs, der sich bei Kaspars Exorzismen mit raffinierter Fragmentierung wiederholt.

Die im Teatro alla Scala präsentierte Neuinszenierung unter der Regie von Matthias Hartmann, Szenen von Raimund Orfeo Voigt, Kostümen von Susanna Bisovsky und Josef Gerger ist zwar sehenswert, begeistert aber nicht, sondern lässt einen die vorherige Produktion von Pier'Alli bereuen . Die großen Baumstämme, die eine faszinierende Waldszene schaffen, sind verführerisch, die vom traditionellsten Böhmen inspirierten Kostüme werden geschätzt, das echte Feuer, das die Kehle des Wolfes während des Exorzismus erleuchtet, ist ebenso unheimlich wie die ganze Szene, aber diese Show bietet eine Idee des bereits Gesehenen und einer oberflächlichen Entwicklung. Trotz der aufwendigen Verarbeitung ist das Innendesign mit seinen beleuchteten Röhren entwaffnend und passt eher zu einer modernen, elektrischen Welt als zu der romantischen Umgebung von Wald und Bergen. Dramaturgisch beschränkt sich Regisseur Hartmann auf das Skizzieren, findet aber keine persönliche Lesart zur Identifizierung der Charaktere, die oft sich selbst überlassen bleiben, mit Ausnahme des dämonischen Kaspar, der die große Szene in der bewaldeten Schlucht inszeniert eine außergewöhnliche Art und Weise.

Die Regie zeichnet sich durch eine extreme Lyrik aus, die jedoch mehr vom Pathetischen als vom fantasievollen Farbfresko und den anschaulichen Beschreibungen des Dorflebens, vom Übernatürlichen und von der Solomelodie inspiriert ist, in der der Regisseur einen passenderen Boden findet. Allerdings ist Chungs Regie in jeder Hinsicht hervorragend ausgearbeitet, aber nie wirklich spannend. Das La Scala-Orchester ist an einem großartigen Abend auf den Zusammenhalt von Klang und Klangfarbe bedacht, es folgt dem Konzertmeister bis zur Perfektion in einer Lesung, die ebenfalls bezaubernd ist, zum Beispiel das Leitmotiv von Agathe, die jedoch keine Kraft ausdrückt und oft mit sehr ausgedehnten Tempi, die in Meine Meinung tendiert zu einer fragwürdigen Feierlichkeit.

Der Auftritt des Chores unter der Leitung von Bruno Casoni ist erstaunlich, sowohl in der schönen Charakterisierung des beliebten Liedes als auch in den großen Ensembleszenen, insbesondere im Finale.

Der Protagonist Max von Michael König hat eine tiefe Stimme, ist stark gedämpft und spricht eher rau. Besser ist Julia Kleiters Agathe, eine Sopranistin von hervorragendem Können, die vor allem durch ihre lyrisch-intime Tiefe in der zweiten Arie begeistert, während sie in der Kavatine, obwohl mit durchgezogener Linie gesungen, mangels Ausdrucksschwierigkeiten auf sie stößt Tiefe.

Eva Libeau ist szenisch ein funkelndes Annchen, allerdings ist die Stimme sehr eingeschränkt und manchmal schwach, aber akzeptabel.

Gunther Groissbock, Kaspar, ist ein beeindruckender Schauspieler, mephistophelisch und unterschmeichelnd, stimmlich hätte er auch die Voraussetzungen, um die Rolle relevant zu machen, aber technische Lücken bedeuten zuweilen eine grobe Emission und eine abgeschwächte hohe Lage.

Gut gemacht, Stephen Milling, der Einsiedler, kraftvolle und gut kalibrierte Stimme, Till von Orlowslys Killian präzise und brillant, Frank van Hoves Kuno professionell, Michael Kraus' Ottokar-Zusammenfassung.

Die Gruppe der vier Brautjungfern der Braut, bestehend aus Céline Mellon, Sara Rossini, Anna-Doris Capitelli und Mereike Jankowski, war sehr gut.

Das Publikum war während der Aufführung eher ruhig, am Ende jedoch aufmerksam und konnte einen guten Erfolg für das gesamte Ensemble feststellen.

© Lukas Franceschini

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