Review: TOSCA al Festspielhaus di Baden-Baden dirigé par Simon Rattle alla guide dei Berlin Philharmonic.
Par Natalia Di Bartolo © DiBartolocritic
L'une des caractéristiques qui distinguent les grands orchestres est la flexibilité. Par conséquent, quand effectuer les travaux sont les Orchestre Philharmonique de Berlin, arrête le monde.
L'émerveillement d'un tel orchestre, c'est aussi la fluidité d'exécution, la docilité de réponse au geste de la direction, la capacité d'écoute et d'accompagnement des chanteurs au-delà même du chef lui-même. D'où l'expérience Tosca accompli depuis M° Sir Simon Rattle, pour le Fête de Pâques 2017 Al Festspielhaus à Baden-Baden, d'un point de vue orchestral c'est réussi. Le chef d'orchestre et chef principal du Berliner tenait l'orchestre dans sa main et se laissait tenir dans sa main par l'orchestre. Une réciprocité qui, comme la souplesse évoquée plus haut, n'est propre qu'aux grands ensembles orchestraux.
Avec du matériel sonore du genre dans la fosse, « ses » Berlinois, M° Rattle a donné vie à une soirée Puccini, le 17 avril 2017, avec un chef-d'œuvre dont le rendu mélodique et harmonique était louable. Malgré quelques retards dans les temps du Te Deum du premier acte, des moments qui auraient eu besoin de moins de lyrisme et d'un tempo plus nerveux, la direction de M° Rattle c'était irréprochable. De superbes couleurs dispersées à profusion, avec une dynamique magistralement soulignée. Même le soutien aux chanteurs a été guéri par spasmes : chanter avec les Berlinois n'est pas une mince affaire. Les interprètes le savaient bien, et en semblaient même parfois intimidés, mais le Maestro le savait très bien, surtout, qui contenait le flot du gouffre mystique, déchaînant la virtuosité dans les seuls moments orchestraux.
Intimidé, en particulier, il semblait Marco Varatogna, une Scarpia qui aurait nécessité plus d'aisance dans la zone aiguë et moins de poussée dans les forts. Dans l'ensemble correct, cependant, il a également été déplacé et laissé à lui-même par la direction. Mais nous en reparlerons…
Après avoir commencé à rebours avec les interprètes principaux, nous passons à Cavaradossi par Marcelo Surlvarez, qui semblait absolument convaincu qu'il était un protagoniste masculin respectable, engagé avant tout à montrer ses talents de ténor héroïque. Malgré ses efforts, le phrasé était très inélégant, le légat parfois inexistant…bref, le bel canto a été mis de côté au profit de l'épellation de phrases musicales et même de mots isolés. Dans E lucevan le stelle, le ténor force les T et les double : l'écoute d'un "Che ho non-TTO mai TTAn-TTO la vita-TTA" pour donner à la fin des mots l'accent qu'il juge nécessaire, par exemple, produit seulement un manque absolu d'élégance et confirmait le manque de style d'une voix qui, si elle était correctement émise et exprimée, pouvait être remarquable. Le manque d'élégance, alors, n'en était pas moins, malheureusement, pas même dans l'interprétation. La réalisation ne l'a pas aidé du tout…
E, doux au fond, la Tosca par Kristine Opolais, qui était toute une "callassare" dans les mouvements, mais vocalement, heureusement, était la meilleure sur scène : au moins elle avait toute la voix. Trop même, à vrai dire, quand, comme lui, tu prends un si naturel au lieu d'un si bémol dans Vissi d'Arte, dans l'aigu de "Signor", c'est-à-dire que tu montes de ton, peut-être avec raison , pour éviter le déclin tant redouté. Et puis, pourquoi un souffle mal placé qui a brisé une des grandes et splendides phrases, également dans Vissi d'arte ? Un vrai dommage, car Opolais a beaucoup de souffle. En revanche, pas beaucoup d'expressivité, malgré la preuve du savoir-faire scénique d'une actrice hollywoodienne ratée. Sa Tosca était dépourvue de tension dramatique, elle était trop jouée, dans un contexte qui, pour le reste, était vraiment déplacé et déplacé dans tous les sens.
Contourner le moment correct Angelotti par Alexandre Tsymbaliouk, constamment menotté les mains derrière le dos (comment a-t-il fait pour vider le panier de nourriture de Mario pour se nourrir ?) ; ne pas ignorer les tendances pédophiles sous-jacentes imposées par le réalisateur à Sacristain, Peter Rose, vis-à-vis d'un petit garçon qui fut ensuite « utilisé » sans aucun lien logique comme soliste pour la chanson romaine du pasteur au troisième acte ; les seconds rôles médiocres avec de sérieux problèmes de diction italienne (et pas seulement) et les Chœur Philharmonia Vienne, bien qu'agréable et bien éduqué par Walter Zeh, il était possible de saisir sur les visages des spectateurs une perplexité désolée face à la nouvelle production de Philippe Himmelman.
L'écrivain ne peut retirer de ses oreilles une interview d'un autre des réalisateurs les plus effrénés de la scène allemande, qui se justifiait presque contrit de n'avoir pas su transposer dans le temps une œuvre qui avait absolument besoin du cadre historique dans lequel elle a été créée. On arrive aujourd'hui à de tels paradoxes ! Eh bien, cet opéra n'était pas Tosca…mais aussi pour Tosca Himmelmann aurait dû faire le même raisonnement que ce metteur en scène, qui pour une fois laissait tout à sa place à son époque.
Et nous reprenons ici le discours évoqué plus haut sur les interprètes principaux, déplacés comme des pions sur une immense scène à moitié vide et sordide. Trop de films de science-fiction dans le bagage visuel de ce réalisateur, aux scènes froides et disgracieuses et aux costumes impersonnels. Le soutien aux interprètes était également déformé et souvent laissé à lui-même. Résultat d'une approximation absolue à l'approche d'un chef-d'œuvre.
Scarpia était à la tête d'une sorte de confrérie maléfique comme la Matrix, en uniforme en apparence avec ses sbires, une chorale incluse dans le Te Deum. Mais pourquoi, si le cadre, l'heure, le déroulement de l'histoire et tout le reste sont amenés du livret sur un plateau d'argent ? Le livret porte également la date : il se déroule à Rome en juin 1800, dans l'église de S. Andrea della Valle au premier acte, au palais Farnèse dans la chambre de Scarpia à l'étage au deuxième et sur la plate-forme du château Saint-Ange dans le troisième. , quoi qu'ils disent, quoi qu'ils pensent, voulant même ignorer le drame original en prose de Sardou.
Le visage de Maddalena-Attavanti au premier acte a été imprimé sur grand écran…mais pas seulement : son portrait a été peint sur le sol de S. Andrea della Valle. Trouvé absurde dans tous les sens, non seulement parce que très peu de spectateurs ont pu le voir, comme l'a souligné avec un maigre sens pratique le critique d'un journal américain, mais surtout parce qu'il est impensable que dans n'importe quelle église, même à n'importe quel moment, un peintre peint par terre, même si ce n'est pas une madonnaro. Et n'en déplaise à ces artistes, qui valent parfois mieux que des peintres bien plus célèbres qu'eux.
Puis cette tendance générale sous-jacente au voyeurisme dans la réalisation, tous ces écrans et plans, un déjà-vu de la Biennale de Venise des années 90. Un truc un peu’ vieilli, si rien d'autre, du pavillon de l'exposition vénitienne qui peut-être à ce moment-là pourrait susciter un certain « ohhh » d'émerveillement. Les médias dans la Tosca ? A quoi bon ? Ici la défaite de Melas à Marengo a été annoncée et sa véracité a été vérifiée sur l'ordinateur !
Tirer, alors ? Obsolète. Pourtant Scarpia dit : "que le prisonnier soit fusillé !" Au lieu de cela, ici Cavaradossi meurt d'un coup à la tête infligé par une arme à feu pour l'abattage, que Tosca elle-même utilise ensuite pour se suicider. Aucun commentaire, si ce n'est qu'Illica et Giacosa, ainsi que Sardou, se seront rendus dans leurs tombes.
La consternation sur les visages des spectateurs était évidente, comme mentionné précédemment. Applaudissements surtout à la partie musicale, donc, qui s'est avérée être le point fort de la soirée ; et quelques dissensions. En attendant que cette production tourne dans les grandes salles…
Natalia Di Bartolo © DiBartolocritic
PHOTOS © Festspielhaus Baden-Baden | Monica Rittershaus